Northern Winter Beat
24 26 januar 2019
Northern Winter Read #3: We Like We


(Foto: Maj Jeanne)

 

Når We like We stævner ud og drager på soniske eventyr, er skibet både ladet med den klassiske musiktradition og vovemodet til at udfordre den. Til januar spiller kvartetten på Northern Winter Beat.

 

Siden 2012 har We like We kollektivt udforsket, hvordan det kan lyde, når man tager syvmileskridt væk fra konventionerne og lukker nye elementer ind i den klassiske musiks verden. Dirigenten er på orlov, mens elektroniske klange og improvisation bydes inden for.

 

Instrumentariet, bestående af violin, cello, percussion og sangstemme, bestyres af Katrine Grarup Elbo, Josefine Opsahl, Sara Nigard Rosendal og Katinka Fogh Vindelev. Sammen har de udgivet to plader –  ”a new Age of Sensibility” (2014) og ”Next to the entire All” (2017) – og har blandt andet arbejdet sammen med det brasilianske kor Mawaca, lavet lydinstallationer og arbejder for tiden på musikken til en opera, der får præmiere til sommer.

 

P.t. er gruppen bosiddende i henholdsvis Esbjerg, Jyderup, København og Berlin. Men heldigvis lykkedes det os at møde We like We i det intime samtalerum, der i folkemunde går under navnet ”Google Docs”.

 

Så her kan I forud for deres koncert på Northern Winter Beat læse om kvartettens tanker om deres elektronik, improvisation, lyd og den kollektivistiske kreative proces.

 


 

Hvordan lyder We like We i jeres egne ører?

 

Katrine:

”Man kan sige, at vores musik afspejler møder og afsøger grænselandet i og omkring disse møder. Det kan eksempelvis være mødet mellem forskellige tiders æstetiske klangidealer. Vi spiller på klassiske instrumenter og har fordybet os i klassisk musik og dens udtryk, men samtidig leger vi med effektpedaler og skaber flader og scapes. Det er også mødet mellem os fire, der improviserer og spiller sammen. Det er mødet mellem faste former, nedskrevne aftaler og fri improvisation. Det er mødet mellem de genrer, vores udtryk på en eller anden måde forgrener sig i.”

 

Hvilke dyder inden for klassisk musik og indlærte mønstre fra konservatoriet må I lægge på hylden for at kunne skabe den musik, I gør? Og hvilke holder I stadig tæt?

 

Sara:

”Nu må vi jo gerne spille parallelle kvinter og oktaver. Det er dejligt. Ej… På konservatoriet handler det jo til dels om, at der er nogen, der ved mere end en selv, som skal lære én noget. Med dette projekt sætter vi selv rammen. Der er ikke noget pensum eller noget bestemt kriterium at leve op til. Vi bestemmer selv. Det, tror jeg, er skræmmende for mange klassisk skolede musikere.”

 

Katrine:

”Jeg vil vove at påstå, at vores klangideal er ret essentielt for vores udtryk i We like We. Og forståelsen for, hvordan instrumenternes stemmer kan åbnes, lukkes, farves, forstærkes, formindskes og så videre, tror jeg, vi har fra vores klassiske baggrund. Det er jo i forlængelse af denne klanglige dynamik, vi er begyndt at lege med elektronisk effektuering.”

 

Josefine:

”Opfattelsen af komponist og udøvende musiker som to adskilte funktioner har vi gjort op med. Elektronikken og vores arbejde med effektpedaler har spillet en meget vigtig rolle i forhold til at frisætte os fra dogmet om en klassisk ‘skønklang’, som vi har brugt hele vores liv og tid på konservatoriet til at specialisere os i, hvilket dog slet ikke betyder, at vi har lagt den på hylden, blot at det har udvidet vores klangopfattelse og æstetik.”

 

I kommer alle fire fra en tradition, hvor det, der står på nodearkivet, er med til at afgøre, hvad der er skidt og kanel. Bliver I aldrig bange for at spille ’fejl’? Hvordan holder I jer modige?

 

Sara:

”Jeg er mere bange for at spille fejl, når der er tale om et stykke, en anden har skrevet, som jeg skal indstudere og fremføre. Måske laver man også bare færre fejl, når der er tale om en musikalsk idé, man selv har været med til at ‘lege’ frem, og derefter putte flere lag på. Jeg tror mere de ‘fejl’, jeg (ikke så ofte) kan komme til at lave i We like We, handler om ikke at kunne finde den rigtige tilstand, den rigtige energi. Det er sjældent ‘slåfejl’, der er tale om, men mere en følelse af, at himlen ikke rigtig åbnede sig den dag... Vores musik handler meget om at være i sync med hinanden. Eller intentionelt ude af sync, når det hører sig til.”

 

Josefine:

”Det er sårbart både at være komponist og opføre sin egen musik. Man kan ikke gemme sig bag ‘et dårligt skrevet værk’ eller en ‘dårlig opførelse’. Til gengæld er der ingen andre end os selv, der kan vurdere, om ‘der blev spillet fejl’, da vi ved hver opførelse selv er herrer over, hvordan musikken skal klinge. Og så længe den musikalske idé performes og kommunikeres sikkert, kan al mulig slags klang retfærdiggøres.”

 

Hvordan har tiden i We like We så ændret jeres måde at angribe fortolkningen af klassiske værker?

 

Sara:

”Forholdet til klangbehandling er ændret, eller i hvert fald blevet bredere. Måske har jeg fået mere selvtillid til at turde at forme, og netop fortolke, værker. Komme med mit eget bud, og ikke bukke under for den vedtagende norm, der er for en bestemt slags musik eller et bestemt værk.”

 

Katrine:

”Jeg mærker overordnet en større fleksibilitet i forhold til det håndværksmæssige i at være musiker. Hvilken type violinist er der brug for i denne sammenhæng? Er der brug for, at jeg kommer med mit eget, individuelle bud på en klang eller en melodisk figur, der bryder med resten af lydbilledet, eller er der brug for, at jeg smelter sammen med gruppens klang?”

 

Josefine:

”Det selv at komponere som udøvende musiker har sat mig i stand til i højere grad at forbinde mig med komponisten bag et værk, og de tanker, vedkommende har gjort sig i tilblivelsesprocessen. Det har givet mig en større forståelse for, hvilket arbejde med materialet og hvilke valg der er taget forud for den endelige, nedskrevne version af værket. Det har for mig medvirket til at udviske skellet mellem komponist og udøvende musiker. Musikken opstår i et ligeværdigt møde mellem de to parter, som begge forholder sig kreativt. Det frisætter musikken.”

 


 

Hvilke komponister og kunstnere er i selv inspirerede af og hvorfor?

 

Sara:

”For tiden er jeg inspireret af det at være aktivistisk i kunst. De, der gør det godt, synes jeg, er seje.”

 

Katrine:

”Jeg har for nylig stiftet bekendtskab med den tysk-japanske violinist og kunstner Ayumi Paul. Hendes ting er vildt abstrakte og samtidig så skrøbeligt følsomme, at det virkelig rammer noget. Derudover skaber polske Alicja Kwade værker, der undersøger vores væren i tid og rum på en subtilt overvældende måde.”

 

 

Katinka:

”Jeg er meget optaget af de her mange nye kunst-hybridformer. En forfatter som Amalie Smith, der både er uddannet fra forfatterskolen og kunstakademiet, synes jeg, virkelig har fat i den lange ende. Hun opløser velkendte former, og blander i sine udgivelser poesi, prosa, billedekunst, naturvidenskab og filosofi! Hendes måde at anskue og arbejde med sit stof fra alle disse forskellige ståsteder er så respektindgydende og fascinerende!”


Josefine:

”Jeg er inspireret af kunstnere, der ikke lader sig begrænse i én kunstforms udtrykspallette, men har en åbenhed for at brede deres kunst ud på andre udtryksmedier og baserer deres kunst på kendskab til tradition og samtidig ikke er bange for at bryde med og forny traditionerne.”

 

Hvordan bruger I den elektroniske musiks instrumentarium i studiet såvel som på scenen?

 

Sara:

”For mig er det elektroniske element sådan en otherworldly tekstur, som jeg ikke rigtig kan frembringe selv… Det giver en dybde, en anden dimension måske.”

 

Katrine:

”Som nævnt, er den elektroniske effektuering en naturlig forlængelse af vores klangforståelse og -verden. En ny klanglig og orkestral dimension, der griber vores instrumenters lyd og katapulterer den ud i helt nye retninger.”

 

Josefine:

”Det at udvide hver vores klangpalette med effektpedaler var i begyndelsen en vigtig katalysator for at udvide vores klangforståelse og frisætte os. Og det bliver ved med at være et vigtigt redskab i vores kompositionsprocesser.”

 

Hvordan holder I jer åbne musikalsk og undgår “bare” at lære det, der startede som ren improvisation, udenad?

 

Josefine:

”Nysgerrighed er en grundsten i We like We. Vi mødtes, og mødes stadig, omkring en nysgerrighed og lyst til at udvikle vores udtryk og en ny musikalsk udtrykspalette i det hele taget. Ved hele tiden at spejle musikken og hver vores individuelle ideer i det fælles musikalske felt og komme med indspark til hinanden, holder vi musikken åben og udfordrer formerne.”

 

Sara:

”Vi forsøger at finde nye lag og versioner af vores musik hele tiden. Således åbner stykkerne sig over tid og viser nye facetter. Det kan eksempelvis være at arbejde med reminiscenser.”

 

Katrine:

”Rent konkret bånder vi stort set alle vores jams, lytter, udvælger de skarpeste idéer og forsøger at finde frem til deres essens. Herfra kan de udfoldes, eventuelt i en ny retning, og skærpes yderligere.”

 

 

Hvordan foregår ovennævnte ’jams’?

 

Katinka:

”Nogle gange møder vi op, og spiller helt åbnet, uden nogle guidelines, en måde at ‘rense’ luften på. Andre gange opstiller vi dogmer. Det kunne for eksempel være kun at spille staccato, eller at vi alle skal følge Josefine (vores cellist), ved at reagere på hendes spil, eller i sommers, hvor vi forsøgte os med forskellige chakra-improvisationer for at slippe hovedet, eller forsøge på det og kollektivt spille ud fra et af de syv chakraer. Det giver nogle gode dynamikker, at veksle imellem det helt åbne og frie og styrede! P.t. skriver vi musikken til en opera, og her har vi for første gang fået en nyskrevet libretto, som vi skal forholde os til. Det er enormt inspirerende for os med et sådant indspark udefra.”

 

Hvad bliver operaen for en størrelse? Vil der være improvisation indblandet?

 

Sara:

”Den endelige libretto af dramatiker Alexandra Moltke er afleveret, og de skitser, vi indtil videre har arbejdet med, kan nu så småt begynde at tage mere form og karakter, og forhåbentligt langsomt blive mere besjælet. Det bliver helt sikkert ikke den slags opera, som de fleste refererer til, når de omtaler genren.”

 

Katinka:

”Der vil være elementer af improvisation indblandet. Det ville ikke føles som en We-opera, hvis alt var skrevet ud til punkt og prikke. Det skal leve og ånde - stoffet. Men nu skriver vi jo også for tre andre sangere, og det bliver så vildt at få inkorporeret deres klange og kroppe i musikken. Vi er meget begejstret for opgaven!”

 

Hvad er det for nogle musikalske tidstendenser, som eksperimental kompositionsmusik - i jeres øjne - afspejler, og hvilke kunstnere føler I et kunstnerisk slægtskab med?

 

Katinka:

”I højere og højere grad er komponisten selv tilstede og udøvende på scenen. I Danmark har vi for eksempel komponisten Niels Rønsholdt, der både i værkerne ’Me Quitte’ og ’Civilizations’ optræder som sanger. Og jeg kan nævne utallige internationale komponister, der gør dette, eksempelvis Jennifer Walshe (IRE), Nils Frahm (GER), Maja Ratkje (NO) eller Missy Mazzoli (USA). Det er også i højere grad blevet mere almindeligt med deciderede komponistkollektiver, som for eksempel amerikanske Bang on a Can, hvor det er uklart, hvem der har komponeret hvad, og hvor der arbejdes mere a la traditionelle bands. Vi trækker på begge disse nystrømninger. Vi skriver til os selv - og gør det sammen!”

 


Oplev We like We på Norther Winter Beat 2019 torsdag den 24. januar på Utzon Centeret.

Northern Winter Read #2: Lubomyr Melnyk

Most concert pianists don’t use the concept of kung fu to describe their musical practice. Luckily that’s not the case with Lubomyr Melnyk.

by Mikkel Brandt

“I think, it’s really important, that people come and hear this live. This is music, you can’t experience on recording.”

Ukrainian pianist and composer Lubomyr Melnyk is with me on a line from Sweden, where he’s currently working on a new piece.

”I’ve been playing the piano all my life. Since I was a small child. So the piano has been the most important element of my life, really.”

Since the 1970s Melnyk has developed a special piano technique that he describes under the term “continuous music”. A way of playing, that according to the Paul Simpson written biography on allmusic.com “involves playing extremely rapid, complex patterns of notes, often while holding down the sustain pedal in order to produce overtones. The result is a dense cascade of sound that can be trance-inducing for both the performer and the listener.“

The latter I can personally confirm from hearing Mr Melnyk in action at this year´s Ujazz festival in Aarhus in September. At this occasion people were sitting on the floor, when this calm piano wizard came out of the blue and played music, that made us drift away, and in between talked about topics including clouds, time, and the reality bending qualities of the new season of “Twin Peaks”.

“I believe, I would almost say, that I know, that it’s a beautiful experience for the audience to hear continuous music. I think, it’s very refreshing for the soul, and mentally it’s kind of going on a holiday from life, taking a break for a couple of hours, and just entering this world of continuous music,” Melnyk says.

 According to him the nature of his music can’t be summed up easily:

“It’s almost impossible to describe, because it has changed so much over the years. In the beginning it was a branching out from American minimalism.”

 This musical connection, that he draws here, can for example be heard in the pulsing repetitiveness, which also characterised composition methods used by New Yorker minimalists – such as Terry Riley and Steve Reich – in the 1960s and -70s.

 “So it was a branching out from that into the classical world, where it was taking those ideas and then adding classical technical ability to it,” he points out.

 


 Keyboard kung fu

The artistic vision behind continuous music was – among numerous other influences – lit by a mix of philosophy studies, the cultural explosion of the hippie era, Joseph Haydn, and the early works by David Lynch.

 “That was the beginning. But then it grew into much more than that,” Melnyk tells me.

 “Basically I started to realize, that this technique was a physical energy. It was actually a complete transformation of my body. Like the flesh of my body was being transformed into something new and different.”

 Melnyk emphasizes how technical skills take him to a level, where the music “simply flows easily like a river stream.”

 “It’s like breathing. It’s not difficult at all, once the technique has transformed your body into a functioning entity. The time and the music simply float out of you with no effort. So it’s really a beautiful thing,” he says.

 


 

“The continuous music piano technique is very spatial. Very related to kung fu. Playing continuous music on the organ is not kung fu, because the piano requires phenomenal activity on several dimensional planes,” he states and points out, that his training as classical pianist is essential for continuous music.

 “It was crucial for my vision, for what continuous music could be, that I was trained classically. But the actual music world of the classics does not in any way support continuous music, nor even recognizes it. This is something I had to accept over a long period of time.”

 Even though Melnyk is known for his speed – and ability to play 19 notes per second in each hand – melody also plays an important part in his work. But that was something that was introduced gradually:

“The actual technique had to be developed a stage higher in order to be able physically to add melody into this row of notes. Because that required a phenomenal new dimension of activity the mind, in the body, and in time.”

 Melnyk describes, how his music changes character, as he gains new abilities:

“My hands and my body develop further and further into higher and higher levels, the longer I play. So, it’s extremely easy to do these things, because I’ve been playing for so long. And for any pianist, that will start to learn this music, it get’s easier and easier and more pleasant. This is one of the beautiful things about continuous music, that it’s such a joy to play, physically, spiritually, and mentally,” he says.

 “It’s taken me forty-five years, or more, to become the pianist, I am. And every year I become more and more of a pianist.” 

Experience Lubomyr Melnyk’s continuous music at Northern Winter Beat 2019 January 26th at Utzon Centeret

Northern Winter Read #1: Daniel Blumberg

Daniel Blumberg
Photo: Steve Gullick
The shipwrecked relationship is on the top of page 1 in the songwriting handbook, but somehow Daniel Blumberg sounds nothing like the same old tearful lament.
Northern Winter Beat talked with him before his performance at the festival in January.

by Mikkel Brandt

”This year, I’ve been working mainly in silver.”

The English artist Daniel Blumberg is with me through a moody WhatsApp-connection from London. Here, he alternately talks about his music, and shows his silverpoint drawings to me and the camera on his phone.

”Silverpoint is one of the oldest techniques of drawing,” he explains and describes how the drawings are carried out with a little silver stick on specially treated paper.

However, at Northern Winter Beat 2019, you will be able to experience his endeavors in music. Something he started in the indie rock band Yuck, and earlier this year expanded his palette when he released the solo album "Minus" - an album that is both the artistic culmination of a tough break-up and a marking of a distinctive change of style. A kind of reboot, as he calls it.

”Those songs were all from a very specific time. And it was a very different time to now.”

And if you crave for a biographical reading, you can draw a straight line to Blumberg's break-up with the model and Nymphomaniac actor Stacy Martin.

So when I talk with him, I ask if he buys into the premise of “Minus” being a break-up record.

”Yeah, definitely. I mean, there’s loads of things going on musically and sonically, and bla, bla, bla. But I think that’s more referring to the lyrical content and maybe the time. So it was a break up record.”

The record´s featuring musicians count among others the drummer Jim White (Dirty Three, Cat Power, Bonnie Prince Billy). He and the other musicians got the space to improvise and put their personal touch on Blumberg’s personal songs.

“When we do the live stuff, it’s very different. So it’s not very useful to listen to that recording of the songs. But yeah, I am happy with it.”

The seven songs on the album maneuvers between quiet parts, anarchistic harmonica, jarring violins and noise guitar, sounding like a transcript of a modem that starts. As a side note Blumberg´s own grandmother sings on the choral parts of “Used to be older”, where the title repeats as a hypnotic mantra, crawling into your ear like a small worm.

”Minus” is produced in cooperation with Peter Walsh, who among others has worked with Scott Walker since the mid-eighties on records such as ”Climate of Hunter”, “Tilt”, and ”Soused” with Sunn O))).

About their recording sessions in Wales, Blumberg recounts:
”It was great because we went to a residential studio. You don’t have any distractions of life. And for me, at the time, stuff was slightly complicated. So it was good. We were just going to sort of a zone, where you wake up, and you start.”

Break up as creative fuel


The list of records with the broken relationship as the creative fulcrum is long.
A few examples could be Sinatra (“In The Wee Small Hours”), Fleetwood Mac (“Rumours), Bon Iver (“For Emma Forever Ago”), Beck (Sea Change), Danish artist Bisse (“Umage”), and so on.

So if we continue the dance with the biographical reading of the break-up record as a phenomenon, one question comes to mind. How can you as an artist find the creative resources to create great music on a broken heart?

”Well… I couldn’t do anything at a certain point. I mean, it depends… It goes in waves, I think. Like at the moment, everything is quite engaging and enjoyable, and I got quite an energy to do stuff. But in the past, yeah, sometimes, when you feeling really rubbish, the last thing, you want to do, is to get yourself up and start working,” Daniel Blumberg says.

”But those things happen. You know, maybe that can be a morning, or an afternoon, or a point in the day, where you manage to get something done. But everyone is different.”

90% Oto


Since Blumberg left Yuck in 2013, his music became more improvisational.
A change of direction, that among other things, was strongly inspired by London venue Café Oto. A place he sees as a central pillar in his work as a musician.

”A lot of the people, who I work with, sort of gravitated towards the place because of the quality of the shows. There’s always quite amazing things happening there,” he says and in the same breath recommends O YAMA O, whose release party he’ll be attending the same evening - a record he calls ”a great, great, great new record” you can hear right here:

He estimates that Café Oto is the place where he gets 90% of all the music he consumes. At home, he’s spending more time listening to radio (segments about football) and watching movies. Otherwise, he will listen to recordings of his improvised concerts where it’s not given when and how the songs are played.

“The way that I perceive improvisation is that you sort of do what you feel is necessary in that situation. It’s sort of indefinable, really, to say what you think about,” he says and describes how his songs and their structures are restructured on the spot – and that he doesn’t use setlists.

Therefore, I ask how he and his musicians prepare for a live setting.

“Sometimes, when we meet up to play, we don’t even play, we just talk. Sometimes we go to the cinema. Sometimes we watch shows together. Sometimes we play, but you build up a sort of language as people, as well as musicians and artists.”

So, what happens when the approach from free music meets the song writing?

”The way we work is that we mainly make improvised music. And, obviously, the nature of songs and song writing is not normally associated with improvisation. But I think live, we sort of use the songs as a sort of meeting point.”

Experience Daniel Blumberg at Northern Winter Beat 2019 January 25th at Huset i Hasserisgade.